Ermanna Mountain does not play the part of a character on the stage. She is it, body and soul...... the actress modulates and models her unique, rough and seductive voice at her whim and pleasure in order to present and perform all of her personages with anger. As Isis dressed in black with a blood-red symbolic cross glued to her breast, the punk priestess and demon erupts a lava of enchantments in a cavernous voice which is as "earthy" and penetrating as the de profundis music of Luigi Ceccarelli.
Moving between disorientating sonorities and deviant melodies, transformed into a combination that could summon up the devil, the composer manages to introduce a sense of genuine pain into this performance, which goes beyond the severe and wrathful atmosphere. The music here is not an instrument but a wound reflecting the tortured and lacerated spirit of Isis...... Assailed by music and blinded by the floodlights, shivers literally run down the spectator’s back. There is an uncomfortable and overwhelming feeling of suspense and tension that makes "La Mano" a insightful and acerbic ode to rock music......
(Catherine Makerel - Le Soir (Belgium), 21 February 2005)

.... It is an obsessive monologue studded with memories, dreams and hallucinations, magnificently performed by Ermanna Montanari who is able to perfectly integrate the personality of her character with the dominating elements and atmospheres of hard rock and punk. The stage and scenery is both simple and grandiose at the same time, constituting a circular place where almost all of the action is carried out. All this is confirmed and sustained by music and light-play that do not belong to any recognizable genre.
(G.VDS La Dernière Heure (Belgium) 22 February 05)

“The work is perfect with its tight rhythms, oscillating between surging impetus and pregnant pause, always with a close correspondence between the word, the action and the music, for which Luigi Ceccarelli has found intriguing solutions, inspired by rock but contaminated by electronic noises which have a great emotional impact. Ermanna Montanari acts with her body and her voice, seemingly speaking and singing at the same time. There is a perpetual struggle between her emotions, her body, her voice and the music, which nails the audience to their seats and captivatesthem as if with a basilisk gaze”.
(Serena Simoni, Ravenna e dintorni, Thursday June 30th, 2005)

REQUIEM

….Arriviamo al luogo: un muro rosso, nudo, lapide o soglia dell'aldilà. Attorno è un'arcadia di cespugli e boscaglia, fra i rami si staglia la statua bianca della Venere di Milo: Un ronzio sonoro diventa un rombo assordante che si sposta; mosconi, calabroni sfrecciano…... Il muro si accende: luci, fuochi, la scena si anima. Nell'aria lacerata dai suoni ovunque, corrono i gesti e le voci degli interpreti in gara di bravura tra loro…. Luigi Ceccarelli è il signore del tuono. Nella sua fucina le voci diventano polifonie metalliche, taglienti di cattiveria. Gli smarrimenti e i vaniloqui di Psyche generano marosi in tempesta, spalancano abissi, uno, mille tromboni riversano tonnellate si suono, come si svegliassero le navi che dormono poco lontano. Ma dalla statua di Afrodite nasce un canto: Requiem Aeternam, poi Kirye, Dies Irae, Lacrimosa, Agnus Dei. La melopea gregoriana è un canto di sirena o di strega, seducente e terribile che si rifrange, si amplifica, combatte con le parole. Nella dimensione sonora il dramma di coppie ed antagonisti - Eros e Psiche, Afrodite contro Psyche - si muta in binomio psyche e techné. Qui la meraviglia cavalca a briglie sciolte, la tecnologia elettronica dona alla parole un'aura, uno strapotere emotivo che seduce e ammalia. La metamorfosi è continua: suono, rumore, canto, parola, musica si compenetrano, si generano uno dall'altro in una drammaturgia uditiva che azzera il tradizionale dualismo parola/musica. E' un teatro nuovo e dunque benvenuto, un neo-barocco tecnologico forse fin troppo seduttivo e immaginifico; un fiume in piena che già reca in sé il bisogno di un argine che ne disciplini il corso. Chapeau!".
(Giordano Montecchi - L'Unità 8/7/01)

….Requiem: proprio un'opera di superbo valore creativo, bellissima in sé e che meriterà nuovi incontri e approfondimenti. Lunghissimi, commossi gli applausi al termine per tutta la compagnia….
(Valeria Ottolenghi - La Gazzetta di Parma)

…Lo spettacolo trae effetti suggestivi dal bell'impianto scenografico, da qualche intuizione penetrante - fra cui quella di evocare l'Aldilà come un mondo bidimensionale di labili immagini fotografiche - e dalla trascinante musica elettronica di Luigi Ceccarelli, una complessa partitura per strumenti, voci, rumori naturali, che passando da remote liquidità a sonorità potentemente raschianti sembra davvero richiamare echi d'oltretomba….
(Renato Palazzi - Il Sole 24 Ore 8/7/2001)

"Costruito come un'opera con partitura musicale (la straordinaria partitura di Luigi Ceccarelli), il Requiem scritto sulle corde di un viaggio infero, prende a prestito Carroll e la plasticità della fotografia e gioca con la parola come pochi giovani gruppi sanno fare. Un gioiello di suoni e affastellamenti vocali microfonati"
(Paolo Ruffini - Liberazione)

…I suoni lacerano lo spazio, frantumandone i contorni, accordandosi con l'oscura musica della nostra mente. Un Requiem dei sensi, basso, terragno, affiancato a quello puro e irreale del canto di Afrodite, dall'alto della Cava: risoluzione drammaturgicamente imponente dell'intera partitura sonora.
(Laura Romasco - La Voce 12/6/2001)

"Requiem esalta la grandezza di un lavoro corale tanto impegnativo quanto affascinante, tanto difficile nel contenuto, quanto immediato nella lettura. Viene da dire che meglio di così è difficile rappresentare il problema della morte, dell'abbandono, e della fascinazione che questi esercitano sull'anima.
(Il Corriere di Rimini)

…Il Requiem di Luigi Ceccarelli mette in forma la questione della fascinazione dell'anima, della morte, dell'abbandono, le fatiche di Psiche, troppo bella per essere amata, "troppo bella", urla Afrodite gelosa, troppo bella per la mostruosità terrorizzante, troppo piena d'amore per essere amata dall'amore stesso….
(Elisa Fontana - La Voce 12/6/2001)

….Ed è anche straordinariamente serio e appassionante il lavoro condotto con Luigi Ceccarelli, che ha costruito un tessuto sonoro di grande forza e suggestione….
(Oliviero Ponte di Pino - A teatro 27/7/2001)

L'ISOLA DI ALCINA

Luigi Ceccarelli’s music for Alcina is comparable to that of Verdi for La Traviata and that of Glass for Einstein on the Beach. The beginning of the play blazes with a sense of absolute and authentic pathos: a French horn evokes the ghost of John Coltrane, passionate and rather threatening. Its shouts and cries are immediately broken up and enriched by percussive sounds filled with material vitality. These artificial sounds were obtained by sampling and computer elaborations of sounds produced by a French horn, and yet they sound quite unlike their source.
Alcina’s monologues are solos that occur in each of the nine movements until the end of the piece. With their clear musical structure they blend naturally with the melody and rhythm of the spoken dialogue, which is the real basis and origin of the words she sings. … In fact the predominance of singing is dying out in the most interesting musical theatre; and it was time for it to die, since it was becoming unbearable. Here one can see the genius of Ermanna Montanari. She is both an actress and a vocalist and the music encyclopaedias ought to add her name to that of Cathy Berberian and Gabriella Bartolomei. She does a fantastic job of tackling Ceccarelli’s digital-concrete sounds, and she is splendid in her search for a connection between the traditions of bruitisme and electronic music, or maybe she is looking for a way to destroy or dissolve them.
The sounds always seem about to break up and yet they always enwrap and enclose the action… The sounds are scenes and the scenes are sounds. Thus simply listening to L’Isola di Alcina does not reveal the musical value of the score: one has to see the performance at the theatre. Seeing the play enhances the musical quality of the work and makes it still more incisive, but the admirable theatrical execution would be nothing if the words did not enter so completely into the notes of the music.
(Mario Gamba, Il Manifesto, 3/3/2002)

...and one cannot... do other than emphasize fundamental creative contribution of the composer Luigi Ceccarelli who has, on this occasion, taken a direction which is decidedly unusual in comparison to the usual practice in the theatre. He has worked on a genuine instrumental "subtext" which does not aim to be a simple accompaniment but has become a livid sonorous continuation of the spoken words. Imprisoned inside the dazzling delirium of her monologues and distorted by the subtly unnatural stage scenery, this Alcina, dressed like a country schoolmarm from the 1950s, becomes an infernal creature, an evil and sinister apparition that the pitiless lights and the spectral music frame inside a sepulchral emptiness. The couch on which she sits with her idiotic sister stands out against a suffocatingly bare wall which, at times, takes on incongruous golden reflections or sickly-green hues. Although without the use of any kind of prosthesis, the faces of the two women are transformed into monstrous masks of flesh.
(Renato Palazzi — Il Sole 24 Ore, 25/6/2000)

Ermanna Montanari, in the part of the mad sorceress, screams whispers sings her exalted punishment, evolving the vocal acrobatics of her earlier Lus, and makes pure sounds of Nevio Spadoni’s Campiano dialect poetry. Indeed the words are an essence of contrasting feelings in the fiery and passionate struggle triggered off with the notes of Luigi Ceccarelli’s Romagnol horn; and these, electronically aggravated, dance with Vincent Longuemare’s lights which inflame the tableau vivant on Byzantine gold or Ferrarese Dossi backgrounds. […] It is a unique emotion for the spectator, a shock to be experienced.”
(Franco Quadri, La Repubblica, 19th October 2000)

Concert for horn and voice in the dialect of Romagna, is what one reads in the sub-heading below the title. This seems simple enough, but at the beginning, when the lights are still off and the tableau vivant with the two female figures is suddenly illuminated in the centre of the stage, we are struck by the shock wave of a resonant sound-tempest and by gusts of wind into which a more acute and lacerating sound insinuates itself. Starting from only one instrument, the French horn, with the addition of some percussion Luigi Ceccarelli has composed a musical score which has all the fullness of an orchestra, by electronically elaborating the recorded natural sounds.
(Gianni Manzella — Il Manifesto, 10/6/2000)

Spadoni’s spiky and obscure Romagnol dialect is not a mother tongue you abandon yourself to in order to rediscover the breath of the world but rather a material to assault, tear to pieces, compress in the search for geometry and symmetry, continuously woven into Luigi Ceccarelli’s sound poetry”.
(Oliviero Ponte di Pino, Diario, 23rd June 2000)

But I believe the story was only the happy inspiration for creating a show (by Marco Martinelli and Ermanna Montanari) in which the magic of the story comes through by way of the voice and mediumistic body of the extraordinary Ermanna Montanari and through the equally extraordinary music of Luigi Ceccarelli.”
(Luca Doninelli, Avvenire, 28th October 2000)

.…L'isola di Alcina, performed by the "teatro delle Albe" is a masterpiece of extraordinary complexity, richness and depth... the performance is geometrically perfect in its conjunction of different representative levels. It is above all a musical work; a genuine score for sounds and voice in which the spoken verse complements Luigi Ceccarelli's highly evocative music, and vice versa.
(Nicola Viesti - Nuovo Corriere, 29/11/2000)
 
…Mysterious, magnetic and evocative words, the cutting notes of a score full of feelings, broken and fragmented by the folly of love, with the counterpoint of vigorous and tormented sounds of Luigi Ceccarelli’s beautiful music running throughout.
(Magda Poli, Corriere della sera, 5/7/2000)

“Alcina’s Island is simply marvellous. Starting from Nevio Spadoni’s poetic text, this “concerto for horn and Romagnol voice”, woven by Marco Martinelli over Luigi Ceccarelli’s pervasive music, takes its place among the highest achievements of the season. [...] Ermanna Montanari is a sort of Carmelo Bene converted to the vernacular. Her vocal and interpretative range is really tremendous. And she gives Alcina a tormenting, ferocious intensity that passes into song.”
(Roberto Barbolini, Panorama, 27th October 2000)

… The horn (in an intensely evocative score by Luigi Ceccarelli) mixes harsh, acute and shadowy sounds together with the pain of love, solitude, echoes of the countryside and Ariosto’s epic tale. This is a tragic and fantastic experimental performance that truly seems to be a presage of the theatre of tomorrow.
(Ugo Ronfani — Il Giorno, 15/10/2000)

“L’Isola di Alcina is a performance worth seeing, feeling and breathing, letting yourself be taken over by the senses and abandoning the search for a logical meaning of the words and story. […] Almost wholly in Romagnol dialect with just a few parts in Ariostonian, language is used for its poetical, musical and evocative power. […] Ermanna Montanari’s voice functions as a further musical instrument in the play, setting up a struggle with the original music composed by Luigi Ceccarelli.”
(Laura Caparrotti, America Oggi, 18th March 2001)

“Teatro delle Albe's L'Isola di Alcina (presented last week at the Kitchen) is an exquisitely staged dramatic poem by Nevio Spadoni about two sisters, one aptly named after Ariosto's sorceress in Orlando Furioso, the other a mute casualty of a failed romance. […] The ravishing mise-en-scène (particularly Luigi Ceccarelli's cornet soundscape and Vincent Longuemare's palette of amber lights) fulfills theater's ultimate ambition—holding an audience entranced in a visceral present.”
(Charles McNulty, The Village Voice, Sightlines, March 21-27, 2001)

Susan Sontag in search of the lost theatre
The initiation of a young theatregoer - “falling in love” with certain plays that would become landmarks in her development, her meetings with Peter Brook and Jerzi Grotowski and her recent “discovery” of the Teatro delle Albe in Ravenna - interest in a theatre that can “exalt and change life”, far from the conformism which in America seems to have suffocated any form of critical awareness.
What were your most important experiences and which plays struck you most?
“Fifteen or twenty experiences were fundamental for me, plays I’ve seen and seen again and which led me to get to know the companies and their work methods. It happened for the first time with Peter Brook’s Marat Sade. I went for the first night in London and, the same night, bought tickets for subsequent performances. Then I got to know Peter Brook and Glenda Jackson and became a friend of the company, going back to see the show every night. The last time I felt this “fatal attraction” was for the Ravenna Teatro delle Albe’s L’isola di Alcina. I saw it twice in Bari last year while visiting my translator Paolo Dilonardo, then again when the company came to New York. If from a temporal viewpoint the two extremes of my experience as a theatregoer are Marat Sade and L’isola di Alcina, the third element of an ideal triptych is the meeting with Grotowski: on the occasion of Brook’s Marat Sade, Grotowski came to London for a one month seminary with the actors of the company and I was able to take part as an observer. The encounter with Grotowski placed my commitment to the theatre, what it represented in my life and what was the ideal theatre that I wanted to pursue.”
(extract from an interview with Susan Sontag; Claudia Cannella, Hystrio, April-June 2002)

UP

MACCHINE VIRTUOSE

Dal buio emerge un pianista, si avvicina a un pianoforte aperto, fruga nella coda, strofina sulle corde bacchette da tamburo e ne trae alcuni suoni. Le apparecchiature elettroacustiche moltiplicano, modificano e diffondono quei suoni, li replicano all'infinito aspirando all'ipnosi. Il pianista si ritira nel buio mentre continuano a diffondersi fasce di armonici. Il pianoforte rimane solo con la bocca spalancata, con i suoi cavi penzoloni e i microfoni appesi, come un oggetto inutile.
La macchina virtuosa n.1 si è messa in moto. Cambiano gli strumenti ma sarà così per tutto il concerto. Le Macchine Virtuose di Luigi Ceccarelli sono sofisticate e raffinate manipolazioni del suono live, giocattoli di grande complessità e di infinita possibilità di risposta. E c'è anche il gioco delle luci, ben fatto, ben calibrato, e anch'esso spesso mosso dal suono e dunque strettamente legato all'evento sonoro.
Il fatto è che è uno spettacolo divertente e intrigante…. Veder giocare e sentir giocare così bene è un piacere davvero raro. Non c'è solo il gioco, naturalmente, ci sono intenzioni musicalmente più profonde; potremmo dire che è una sintesi di decenni di esperienze sulla musica elettronica, comprese quelle extra-colte e su un teatro alternativo. Ma l'aspetto ludico è quello prevalente e su questo ci soffermiamo, perché è l'aspetto più normalmente disatteso del far musica. Pubblico foltissimo, interessato e perfettamente coinvolto.
(Michelangelo Zurletti - La Repubblica 28/10/94)

Un'anima di Metallo e un tocco urbano di jazz.
Gli eventi sonori, gli strumentisti, gli spettatori, l'ambiente. Sono le "Macchine Virtuose" in scena all'Acquario Romano. Concerto -Spettacolo di Luigi Ceccarelli per "Progetto Musica 94".
Anima di Metallo, dice il titolo del brano che chiude il concerto dedicato a musiche di Luigi Ceccarelli all'Acquario Romano. Perché tutto è artificiale in questo prodigioso inventore di suoni. Tutto è urbano, metropolitano, tecnologico, ma anche anima jazz. Concerto straordinario, memorabile. Con il quadruplo degli spettatori medi della musica contemporanea. Diversi, non inamidati….. E Ceccarelli vi ha trovato l'occasione giusta per rivelarsi quello che sicuramente è: uno dei più importanti compositori oggi in attività.
Spettacolo più che concerto….Nel primo brano, "Aura in Visibile", si sente all'inizio il suono amplificato di corde del pianoforte azionate da oggetti…….Poi una cortina di suoni di tipo industriale-futurista-spaziale, ma sono altoparlanti vibratori che trasmettono impulsi alle corde del pianoforte.
Aritmico e ultraritmico "Aleph con Zero", per due percussionisti e due pianisti. Sintassi dell'ansia e dell'ebbrezza. A un certo punto le due marimbe acquistano vita propria, moto proprio, e avanzano verso il centro del palco. Macchine virtuose e miracolose. In "Discussione del 3000" i due percussionisti entrano in scena mentre un bellissimo cerchio bianco illuminato cade dall'alto e va a formare la scenografia molto mondrianesca dell'esecuzione. Che è una combinazione con voci sintetiche che introducono un gioco dadaista di sillabe e colpi di tosse. Il pezzo finisce con un carillon impertinente e infernale. Senza interruzione comincia "Anima di Metallo": sorde risonanze di orchestra gamelan, cultura balinese, cultura jazz, luci cangianti e lingue di metallo fluorescenti che danzano sul fondale bianco. Oggetti di culto dell'era pop-tecnologica, effetto discoteca, con finale parossistico, autenticamente tribale.
(Mario Gamba - Il Manifesto 30/10/94)

Per "Macchine Virtuose" di Luigi Ceccarelli… il tutto esaurito ha testimoniato la solida reputazione del compositore, ma anche il suggello di una serata coinvolgente in cui musica dal vivo, musica su nastro magnetico, performances degli esecutori-attori e una sapiente regia luci e multivisione hanno dato vita ad un nuovo concetto del fare spettacolo in forma rigorosa ma non punitiva.
Le Macchine di Ceccarelli non sono delle entità fisiche, ma delle situazioni ambientali che fanno si che spazio, tempo, pulsazioni ritmiche e respiro del pubblico si fondono in un momento magico con la musica…..
Un crescendo, è il caso di dirlo, di virtuosismo, giocato con molta sapienza anche da tutti gli esecutori, il gruppo Ars Ludi… Un successone, giocato e si vuole sulle chiavi dell'entertainement, ma che fa venire il dubbio che la musica contemporanea cominci a piacere.
(Marco Spada - L'Unità 28/10/94)

ALEPH CON ZERO

Nessuna esitazione nel dire che Aleph con Zero di Luigi Ceccarelli, in una ideale classifica mondiale del 1993 occuperebbe le primissime posizioni. All'inizio si sentono moduli ritmici la cui provenienza, senza alcuna citazione, potrebbe essere il jazz avanzato o il percussionismo (anche tastieristico) post-bartokiano e post-stravinskiano. Un inizio elettrizzante, con dentro tutte le emozioni possibili della cultura urbana e tutta la creatività possibile del modo di produzione digitale. Appaiono poi diramazioni melodiche dei moduli d'attacco, frullate e sminuzzate sulle marimbe. Poi c'è il gioco di crescendi e di brusche interpolazioni di note isolate ( che hanno sempre un valore ritmico), seguito da un'orgia "discreta" di suoni che sembrano sgocciolare dalle corde del pianoforte. Suoni campionati e riproposti agli strumentisti, i quali - dice Ceccarelli - "sono determinanti per dare vitalità a una partitura scritta al computer". E infatti gli interpreti d Ars Ludi hanno reso irresistibile questo pezzo tremendamente complesso sul piano tecnico.
(Mario Gamba - Il Manifesto 14/12/93)

ANIHCCAM

"Anihccam", cioè macchina. Suono fulmineo, cinepresa che si srotola all'indietro, intuizione violenta…..Anihccam, stride una trombetta, Anihccam, sbatacchiano i cimbali. I piedi dei danzatori sembrano una catena dentata…. e le macchine in scena sono la scena stessa i palchi mobili ed il proscenio che si sfoglia come le pagine di un libro, offrendosi ai giochi in multivisione, alle frecce, agli scoppi di luce……Perché la danza è, qui, uno degli elementi della macchina scenica, non il protagonista assoluto. Protagonista è il montaggio, l'assemblaggio dei materiali che si sovrappongono, come fossero in video, guidati da un inesistente telecomando. Cinghia di trasmissione, la splendida musica di Luigi Ceccarelli.
Alla fine resta, meno effimero del previsto, il piacere di entrare in una macchina perfetta, gioco colto di citazioni e rimandi, disincantato e leggero come un ammicco.
(Ella Baffoni -Il Manifesto 5/9/89

…La musica di Luigi Ceccarelli si basa su suoni costruiti dal computer e dall'elaborazione elettronica, abilissima, di composizioni di Stravinsky e non è l'ultimo pregio dello spettacolo…..
(Alberto Testa - la Repubblica 18/10/91

Però, che swing questo "Anihccam"! E' strano che nessuna abbia pensato al concetto di swing, tanto lineare quanto indecifrabile a proposito dello spettacolo di danza ideato dalla coreografa Lucia Latour e dal compositore luigi Ceccarelli…..Omaggio a Depero? Certo per quanto riguarda i richiami figurativi e le citazioni di suoi testi, affidate a voci fuori campo. Ma in sostanza questo lavoro di Latour-Ceccarelli è una sfida al senso comune post-moderno, con una ripresa scontata dell'utopia modernista. Però senza rigidità, con glamour, con rilassatezza. Insomma, con molto swing……Se la voce fuori campo dice:"beviamo un Bitter Campari", la musica sembra dire "andiamo via consapevoli e leggeri con il progresso ritrovato". Ceccarelli nega di aver sposato, con il futurismo, l'idea di progresso: "Non mi occupo poi tanto del pensiero dei futuristi. Di lori mi piace l'idea che si possa usare in musica qualsiasi suono, la loro apertura illimitata". Questo compositore 40enne ha giusti sospetti: l'idea di progresso ha procurato un sacco di guai. Non così il sogno di progresso con cui Ceccarelli e Latour giocano in Anihccam con stordimento leggiadro.
(Mario Gamba - Il Manifesto 20/10/91)

Cosa è rimasto del teatro plastico e delle rigide forme geometriche indicate da Depero? La durezza della struttura qui, si è magicamente trasformata in fluide coreografie amalgamate dalla splendida musica elettronica di Luigi Ceccarelli
(Giulia Bondolfi - Il Messaggero 18/10/91

….diventa un po' un tormentone, bellissimo e suggestivo la musica di Luigi Ceccarelli, basata su temi di Stravinsky elaborati elettronicamente….
(Vittoria Ottolenghi - Paese Sera 18/10/91)

INCONTRO CON RAMA

"Datemi un trombone e vi solleverò il mondo": potrebbe essere la sigla di Luigi Ceccarelli, compositore fruttuosamente attento alle ricerche elettroacustiche, che ha infranto le belle pareti e il bel soffitto della sala di Palazzo Taverna (terzo concerto di Nuova Consonanza), lasciando il pubblico allo scoperto, in uno spiazzo misterioso, sperso nel cosmo. Il fenomeno — cioè questa sbalorditiva capacità del suono di crescere in una sorta di nembo fonico, incatenante e avvolgente — è durato per circa venti minuti, raggiungendo risultati inediti.
…Luigi Ceccarelli intitola "Incontro con Rama" questa sua evocazione elettroacustica affidata al trombone, dischiudendo evocazioni bibliche("Una voce si ode da Rama / lamento e pianto umano / Rachele piange i suoi figli….), ma anche adombrando mitologia indiane. Il suono coinvolge, chissà, l’eroe Rama, nel quale si celebra una reincarnazione di Visnù. Come che sia, il suono di Ceccarelli viene di lontano e ha un peso.
(Erasmo Valente — L’Unità 27/10/1983)